blok1 picture

rasmussen_s picture

Sunleif Rasmussen
1961 English - Dansk

(b. 1961 - Sandur, Faroe Islands)

Sunleif Rasmussen's uvre primarily consists of music for choir, music for various ensembles and several orchestral works. His principal work so far is his Symphony No. 1 of 1995-97. He also works in the electro-acoustic genre, but usually in works where acoustic instruments are mixed with live electronics, effect-processors and tape. These works have usually been developed in cooperation with DIEM (the Danish Institute for Electro-Acoustic Music). So far he has only written one work for a purely electronic medium, Vox humana (1997) - a work that uses electronics to explore the human voice.

Rasmussen was born and bred in the Faroe Islands. This has left its mark on his musical training and has had a strong influence on his music. In particular he has been interested in Faroese folk music - music that is distinctive in not using instruments, but which is purely vocal and consists of monophonic songs, ballads and hymns.

The Faroes also have a rich choral tradition. So it is quite natural that much of Rasmussen's music was written for this medium. Rasmussen's choral music consists primarily of through-composed works in a modern tonal idiom that makes great demands on the singers, but also of traditional songs where the melody is central. The works Sig mær hví er foldin føgur (Tell Me Why the World is Pretty) (1982, revised 1992), Syngjandi grót (Singing Rocks) (1992) and Sóljurnar og náttin (Marsh Marigolds and the Night) (1984) are the finest representatives of the latter type of choral composition and manifest a more traditional side of Rasmussen's music. The melodies follow Faroese folk and hymn music, but in modern settings. Sig mær hví er foldin føgur is a requiem in song form, where the travelling individual - exemplified in the middle of the piece by a transcendent melody line for solo soprano - looks at and praises the world as enormously beautiful. The theme of the singing rocks is surrounded by a textual density that is a musical analogy of the dense molecular structure of the stone. The music is characterized by extreme suppleness in the voice parts. Sóljurnar og náttin is a traditionally formed three-part choral piece for girls' choir - theme and setting are clearly separated.

In the work Blátt (Blue) (1985) one primarily finds columns of sound instead of traditional melodic design. The work is a tone-painting of Faroese or Nordic sky and sea. The music alternates between monumental pillars of sound - 'headlands' - unison lines and a modern cluster texture. The text is a short nature-depicting poem - with an undeniable focus on the dominant icy blue colour of the Nordic sky. Other choral works with Faroese texts that can be mentioned are Skærur vindur (Pure Winds) (1988), Vár (Spring) (1983, revised 1993) and Kvøldvísa um summarmála (Evening Tune in April) (1983, revised 1992).

Tid, Ild, Baglæns (Time, Fire, Backwards) (1991-92) is one of the more complex choral works. The text is about various everyday events, as well as greater events, but with the odd twist that everything happens backwards. "A flame sucked in, a growing wick, wax comes into being. A candle" - "Mankind is filled with shit, and throws up at regular intervals. (And the poor souls who have nothing to throw up...)." These reversed events are reflected in the music, which consists of small fragments of melody which are transposed, inverted etc., The choral songs are accompanied by taped music which is constantly in lively conflict with what is sung.

The Faroes are always present in Rasmussen's musical universe - including his instrumental music. This is not expressed primarily, as one might expect, in traditional folklore; that is, intonations and quotations from Faroese folk music, but in descriptive sound-pictures of the Faroese landscape - which can be briefly said to be characterized by wind, storm, mountains, grass and sea. These words and concepts have usually been at the centre of the picture when Rasmussen has chosen titles and ideas for his works. This is the case for example with the work Vetrarmyndir (Winter Pictures) from 1991, which is about the energy of the Faroese winter, and the wind quintet Cantus Borealis (1996), which describes the always-present Nordic wind. The work begins with regular gusts of wind - powerfully attacked sounds and subsequent descending scale runs in all instruments.

The all-encircling sea forms the conceptual basis for several of Rasmussen's recent works. In Pictures from the Sea's Garden for saxophone and percussion (1998) - a stormy, virtuoso work - the breakers on the beach at his home town of Sandur were the source of inspiration. But the sea is most strongly evident in The Song Of the Sea (1994-95) for orchestra and tape, and in Symphony No. 1 - "Oceanic Days" (1995-97) for orchestra and two synthesizers. The taped music in The Song of the Sea consists of an old Faroese hymn tune and is used as an accompanying sound collage. In the first movement the hymn is reduced to a slow tempo - it lies as an indefinable sub-bass below the orchestra, which plays a long cantus firmus melody in contrasting tempo layers, and with high intensity. This - supported by the title of the work - creates the illusion that the music is generating a breaking sea wave.

Symphony No. 1 - Oceanic Days (1995-1997) also has the sea as its theme. The orchestral ensemble surrounds the audience, such that the loud-speakers for the synthesizers and the two percussionists are placed behind the audience. The scene thus underscores the relationship between islands and the sea - the audience is like a group of islands, at the centre of the events, surrounded by sound. The instrumentation of the symphony is dominated by soloists: clarinets, violins, and in the third movement a bombastic tuba solo - the biggest representative of the brasses - an analogy of the mastodon of the sea, the blue whale. The soloist passages are washed over by longish tutti passages in the course of the work, and the finale - the third movement - is primarily reserved for the big orchestra. One gets the feeling that the work begins from a nothing and slowly rises, like a giant wave of potential energy that is discharged by stiffening in huge sound masses at the end of the work. The symphony thus has the traditional glorifying apotheosis finale, but achieved through an extremely modern tonal idiom.

This reflection of nature in sound is realized through a constant wave motion in the music. It also has a rushing or shimmering feel, analogies with the surf breaking on the beach and sunbeams on the sea surface. In other words Rasmussen's music always has a natural complexity. The rushing or shimmering quality is achieved in the writing by the simultaneous playing-through of densely moving parts in several contrasting rhythmic layers. This kind of writing is always present in Rasmussen's recent music.

The Faroese author and all-round artist William Heinesen (1900-1991) - who actually wrote in Danish - has a central position in Rasmussen's literary sphere of interest. This has left its mark on vocal and instrumental music, in terms of both song texts and ideas/programmes in the music. The title of Rasmussen's symphony, "Oceanic Days", is for example taken from Heinesen's poem It is another of these oceanic days. Heinesen is also behind the texts of Tilegnelse (Dedication) (1995) and Arktis (1998), both for smallish ensembles and mezzo-soprano. These are finished movements of a work in progress which will in the end consist of eight movements. The texts come from Heinesen's collection of poems Panorama med regnbue (Panorama with Rainbow) (1972) - under the section Thi natten kommer (For the Night Comes). The music attempts - with an empathetic accompaniment - to depict the mood saturated with resignation that is often found in Heinesen's texts.

In the work Sum Hin Gylta Sól (Like the Golden Sun) (1993) for piano and effect processor Rasmussen tries to illustrate the poem Vinteren tænder sine blus på vore bjerge (Winter lights its beacons on our mountains) from the same collection. The work consists of five small character pieces, each with a segment of the poem as heading. The music is typified by complexity - the same shimmering quality - and a constant movement between light and darkness: Nu kommer de stille opalgrå dage og den troldske tidlige skumring (Now comes the quiet opal-grey days and the magic early twilight) is the title of the nocturne-like second movement, and the music takes on a quality of light in the fifth movement with the title Vejens ellevildt funklende iskrystaller (The madly sparkling ice crystals of the road). Heinesen's novel Moder Syvstjerne (Mother Seven-Stars) serves as the conceptual basis for two works by Rasmussen: Til Syvstjernen (To the Pleiades) (1993) for violin, flute, clarinet and piano; and Eitt ljós er kveikt (A light is lit) (1993) for organ and tape.

Last - but not least - it can be mentioned that Rasmussen has also written a set of variations on a melody by Heinesen: Fantasi yvir Tívils Døtur (1989) for clarinet and French horn. The piece begins with the traditional statement of the theme, then through a process of mutation Heinesen's theme is transformed into music characteristic of Rasmussen's style.

In String Quartet No. 1 (1989-1990) - so far Rasmussen's only work in this genre - a motif (a five-note complex) forms the centre from which the music materializes. Here Rasmussen shows great restraint with his musical ideas. This is a recurrent overall feature of his composing technique - a strict principle of economy that enjoins the composer to relate to a well defined minimum, often a single motif. From this one can also see that he makes a kind of serialist use of the musical ideas. Similarly, the work Grave - In memoriam Karsten Hoydal (1990) has a stringent relationship with one of his older melodies. The melody never emerges clearly in the work, but permeates the material such that its structure becomes a substitute for the form-creating function of harmony. This work can incidentally be recommended as an introduction to Rasmussen's music - precisely because of its clear structure and clearly descriptive tonal idiom. The percussion ensemble is bells and cymbals - the former a clear reference to the title In memoriam, the latter recalling the always present sea. This technical economy with the material is also always present in Rasmussen's music - even in the above-mentioned almost programmatic works. It entails that the music as a whole also functions entirely on its own terms - detached from extramusical explanatory models such as title, programme and idea. In recent years Rasmussen's composition style has been influenced by newer currents in art music, in particular spectral music, which has its origin at IRCAM in Paris. Rasmussen uses selected spectral principles with the ultimate aim of introducing Faroese tradition - the traditional monophonic song - in his works. For in the most recent music by Rasmussen one does not hear direct quotations and intonations in the music - despite the apparent link with the tradition. Instead he uses the traditional themes structurally, among other ways by determining time values on the basis of the intervallic proportions of the original theme, and by generating sounds via the natural harmonic spectrum from the individual notes of the original theme. In Landid (The Land) (1992-93) for orchestra and soprano, the underlying melody - in this case the Faroese national anthem - emerges as sound masses: that is, combinations of interfering harmonic spectra.

In all the subsequent works (several of them mentioned above) Rasmussen makes use of this composition technique. As well as using Faroese melodies, Rasmussen has also used material with other origins, for example Monteverdi's Lasciate me morire, in the choral work Creatio Caeli Et Terrae. Dies Unus (1996) and in the wind quintet Cantus Borealis (1996); Invention in E flat by J.S. Bach in the piano work Chaindance with Shadows (1997); and the melody of Kringsat af fiender (Surrounded by enemies) for his latest work Surrounded (2000) for sinfonietta.

The choral work Creatio Caeli et Terrae. Dies unus has a central position among his most recent works, since in it he tests his composition technique in the choral context. The work is notable, since it seems to be a good argument for the use of harmonic spectra in music. The title and the text are taken from the beginning of the Bible - the beginning of the world. The work begins with a low pedal point on the note D, after which several complexes of fifths are added, generating the harmonic spectrum. One thus senses that the music grows from an absolute zero - darkness. This process results in the first ff passage in the movement - with the text Lux et facta est. Here a sparkling polyphonic texture begins.

Sunleif Rasmussen's masterpiece to date is undeniably his Symphony No. 1 - "Oceanic Days". For Rasmussen - as for most modern composers - the symphonic form represents a stylistic high point, a genre where the technical resources are put to a formal test. As pre-compositional material Rasmussen has used two aspects of the Faroese tradition - the secular song and the always present sacred hymn. In the course of the three movements and about 40 minutes that the work lasts, there is a constant alternation between material derived from the two melodies.

The composer found the pre-compositional material so comprehensive that so far it has generated two "satellite works" that use the same material. The first, Dancing Raindrops (1995) for clarinet, violin and piano, is a lively, humorous work that sometimes illustrates the sounds of dancing raindrops. The second is called Mozaik/miniature (1999) and is for violin, flute, clarinet and piano. This work consists exclusively of material from the first movement of the symphony - reduced for a chamber ensemble.

In the work Trauer und Freude (1999) for ten instruments (string quartet, guitar, bassoon, French horn, clarinet, flute, piano/harpsichord) one sees the composition technique exploited to the utmost. The original theme here is the melody of the old hymn Sorrig og glæde (Sorrow and Joy), and its characteristics control well nigh all the parameters in the music. The work thus emerges with a decided thematic dualism - an analogy with the title and the content of the hymn. In fact one could describe the form of the work as a kind of modern sonata.

Sunleif Rasmussen's systemic thinking has given him a personal musical language - "a space to compose in". But his wish may also be to give his music a touch of down-to-earth tradition by introducing traditional themes into the interval structure of the music. The pre-compositional material and the finished work are not in direct musical connection with the traditional melody. It is rather a matter of an abstract relationship between work and tradition for Rasmussen. His composing style is thus linked with several theories of form and music that were common at the end of the twentieth century. Hans Pauli Tórgard Music student, Aarhus University

(f.1961 - Sandur, Færøerne)

Sunleif Rasmussens uvre omfatter primært musik for kor, musik for forskellige ensemblekonstellationer, samt flere orkesterværker. Hans hidtidige hovedværk er Symfoni nr. 1 fra 1995-97. Han arbejder også indenfor den elektroakustiske genre, men oftest i værker, hvor akustiske instrumenter blandes med live-elektronik, effektbehandling og bånd. Disse værker som oftest udviklet i samarbejde med DIEM (Dansk Institut for Elektroakustisk Musik). Indtil videre er det kun blevet til et enkelt værk for en rent elektronisk medium, nemlig Vox humana (1997) - et værk der ad elektronisk vej udforsker menneskestemmen.

Rasmussen er født og opvokset på Færøerne. Dette har præget hans musikalske skoling og har haft stor indflydelse på hans musik. I særdeleshed er det den færøske folkemusik, som har hans interesse - en musik der er karakteristisk ved ikke at benytte musikinstrumenter, men som er rent vokal og består af enstemmig vise- og salmesang.

Færøerne har også en rig kor-tradition. Derfor er det ganske naturligt, at en stor del af Rasmussens musik er skrevet for dette medium. Rasmussens kor-musik består primært af gennemkomponerede værker i et moderne tonesprog, der sætter store krav til sangerne, men også af traditionelle sange, hvor melodien er i centrum. Værkene Sig mær hví er foldin føgur (Tell Me Why the World is Pretty) (1982, revideret 1992), Syngjandi grót (Singing Rocks) (1992) og Sóljurnar og náttin (Marsh Marigolds and the Night) (1984) er de ypperste repræsentanter for den sidste type korkompositioner og eksponerer en mere traditionel side af Rasmussens musik. Melodierne intonerer færøsk folke- og sakral-musik, dog udformet i en moderne sats. Sig mær hví er foldin føgur er et reqiem i sang form, hvor det farende individ - eksemplificeret i midten af satsen med en trancenderende melodilinie for solo sopran - betragter og priser verden som umådelig smuk. Temaet i de syngende stene, omsluttes af en satsmæssig tæthed, der er en musikalsk analogi til de tætte molekylære forhold i stenen. Musikken er således karakteriseret ved en uhyre spændstighed i stemmerne. Sóljurnar og náttin er en traditionelt udformet trestemmig korsats for pigekor - tema og sats er klart adskildte.

I værket Blátt (Blue) (1985) er der primært tale om søjler af lyd i stedet for traditionel melodisk formgivning. Værket er et tonemaleri af færøsk eller nordisk himmel og hav. Musikken veksler mellem monumentale klangsøjler - forbjerge - unisone linier, og moderne cluster-sats. Teksten er et kort naturskildrende digt - med en uomtvistelig vægt på den dominerende isnende blå farve i den nordiske himmel. Af øvrige korværker med færøsk tekst kan nævnes Skærur vindur (Pure Winds) (1988), Vár (Spring) (1983, revideret 1993) og Kvøldvísa um summarmála (Evening Tune in April) (1983, revideret 1992).

Tid, Ild, Baglæns (1991-92) hører til de mere komplekse korværker. Teksten omhandler forskellige dagligdags hændelser, og større begivenheder, blot med det mærkelige tvist, at alt foregår baglæns. "Et flammesug, en voksende væge, stearin bliver til. Et lys" - "Mennesket fyldes med lort, og brækker sig til bestemte tider. (Og de stakler, der ikke har noget at kaste op)." Disse omvendte begivenheder spejles i musik, der består af små melodistumper som transponeres, omvendes osv. Korsangerne akkompagneres af båndmusik, der hele tiden er i levende konflikt med det sungne.

Færøerne er altid nærværende i Rasmussens musikalske univers - også i hans instrumentalmusik. Dette kommer ikke primært, som man måske kunne forvente, til udtryk i traditionel folklore dvs. intonationer og citater af færøsk folkemusik, men med deimod i deskriptive lydbilleder af færøsk natur - som i korthed kan karakteriseres ved vind, storm, fjelde, græs og hav. Disse ord og begreber er som oftest i centrum, når Rasmussen har valgt titler og idéer til sine værker. Således forholder det sig for eksempel i værket Vetrarmyndir fra (1991), der omhandler den færøske vinters energi, og i blæserkvintetten Cantus Borealis (1996) der beskriver den altid nærværende nordiske vind. Værket indledes ved regulære vindstød - kraftigt ansatte klange og følgende nedadrettede skalaløb i samtlige instrumenter.

Det altomsluttende hav danner idé-grundlag for flere af Rasmussens nyere værker. I Pictures from the seas garden for saxofon og slagtøj (1998) - et brusende, virtuost værk - er brændingen ved stranden i hjembyen Sandur inspirationskilden. Stærkest træder havet dog frem i The Song Of the Sea (1994-95) for orkester og tape, og i Symfoni nr. 1 - "Oceanic Days" (1995-97) for orkester og 2 synthesiesere. Båndmusikken i The Song of the Sea består af en gammel færøsk salmemelodi og bruges som akkompagnerende lydcollage. I første sats er salmen sat ned i langsomt tempo - den ligger som en udefinerbar sub-bas under orkestret, der spiller en lang cantus firmus melodi i modstillede tempolag, og med høj intensitet. Derved skabes -via værkets titel - illusionen af, at musikken genererer en brusende havbølge.

Symfoni nr. 1 - "Oceanic Days" (1995-1997) har også havet som tema. Orkesteropstillingen omslutter publikum ved at højtalere til syntheziesere og 2 percussionister placeres bagved publikum. Scenen understreger derved forholdet mellem øer og hav - publikum er som en samling øer, i centrum for begivenhederne, omgivet af lyd. Symfoniens instrumentering er præget af solister: klarinetter, violiner, og i tredje sats en svulstig tubasolo - messinginstrumenternes største repræsentant - en analogi til havets mastodont blåhvalen. De solistiske passager overskylles af længere tutti-passager i løbet af værket, og finalen - tredje sats - er primært forbeholdt det store orkester. Man får fornemmelsen for at værket begynder fra et intet og rejser sig langsomt, som en kæmpe bølge af potentiel energi, der aflades ved stivnen i vældige klangmasser ved værkets slutning. Symfonien indeholder således den traditionelle forherligende apotheose finale, dog opnået ved et yderst moderne tonesprog.

Denne afspejling af naturen i lyd realiseres ved en konstant bølge bevægelse i musikken. Den har også en brusende eller flimmrende karakteristik, analogier til brændingen ved stranden, og solstråler mod havoverfladen. Med andre ord besidder Rasmussens musik altid en naturlig kompleksitet. Den brusende eller flimrende kvalitet, opnås satsteknisk ved simultangennemspilning af tætførte stemmer i flere modstillede rytmiske lag. Dette satstekniske præg er altid tilstede i Rasmussens nyere musik.

Den færøske forfatter og multikunstner William Heinesen (1900 - 1991) - hvis skriftsprog iøvrigt er dansk - har en central position i Rasmussens litterære interessesfære. Dette har sat sit præg på vokal- og instrumentalmusik, både med hensyn til sangtekster og idéer/programmer i musikken. Titlen til Rasmussens symfoni "Oceanic days" er således hentet fra Heinensens digt "Det er endnu en af disse Oceaniske dage". Heinesen ejer også teksterne til Tilegnelse (1995) og Arktis (1998), begge for mindre ensembler og mezzosopran. Disse er færdige satser af et "work in progress", der til sidst kommer at omfatte 8 satser. Teksterne hører til Heinesens digtsamling "Panorama med regnbuen"(1972) - under afsnitsbetegnelsen "Thi natten kommer". Musikken søger - med et indlevede akkompagnement - at skildre den ofte resignations-mættede sindstemning, som findes i Heinesens tekst. I værket Sum Hin Gylta Sól (Like the Golden Sun) (1993) for piano og effektprocessor søger Rasmussen at skildre digtet "Vinteren tænder sine blus på vore bjerge" fra samme digtsamling. Værket består af 5 korte karakter-satser, der hver især bærer enkelte segmenter af digtet som overskrift. Musikken er præget af kompleksitet - den samme flimrende kvalitet - og en stadig bevægelse mellem lys og mørke: "Nu kommer de stille opalgrå dage og den trolske tidlige skumring", er titlen på den nocturno prægede andensats, og musikken får en lys kvalitet i femte sats med titlen: "Vejens ellevildt funklende iskrystaller". Heinesens roman "Moder Syvstjerne" tjener som idégrundlag for to værker af Rasmussen: Til Syvstjernen (1993) for violin, fløjte, klarinet og klaver, og Eitt ljós er kveikt (A light is lit) (1993) for orgel og tape.

Til sidst - men ikke mindst - kan nævnes, at Rasmussen også har skrevet en art variation, over en melodi af Heinesen: Fantasi yvir Tívils Døtur (1989), for klarinet og horn. Stykket lægger ud med den traditionelle eksposition af temaet, hvorefter en mutations-proces finder sted, der forvandler Heinesens tema til musik der kendetegner Rasmussens stil.

I Strygekvartet nr.1 (1989-1990) - Rasmussens hidtil eneste værk i denne genre - danner et motiv (et femtonekompleks) det centrum, hvorfra musikken materialiseres. Her viser Rasmussen en uhyre nøgternhed ved det musikalske indfald. Dette er et gennemgående overordnet træk ved hans kompositionsteknik - et strengt økonomi princip der pålægger komponisten at forholde sig til et veldefineret minimum, ofte et enkelt motiv. Derved kan man også se, at der er tale om en art serialistisk anvendelse af det musikalske indfald. Ligeledes forholder værket Grave - In memoriam Karsten Hoydal (1990) sig stringent til en af hans ældre melodier. Melodien fremstår aldrig klart i værket, men gennemsyrer materialet, således at dets struktur bliver en substitut for harmonikkens formskabende funktion. Dette værk er i øvrigt anbefalingsværdigt som introduktion til Rasmussens musik - netop på grund af dets klare struktur og klart beskrivende tonesprog. Percussion-besætningen er klokker og cymbales - det første en klar hentydning til titlen "in memoriam", og det andet som reminicenser af det altid nærværende Hav. Denne tekniske økonomi overfor materialet er iøvrigt altidnærværende i Rasmussens musik - også i førnævnte nærmest programatiske værker. Det medfører at musikken som helhed også fungerer på sine egne præmisser - løsrevet fra ekstramusikalske forklaringsmodeller, såsom titel, program og idé .

I de senere år, har Rasmussens kompositions-stil været præget de nyere strømninger i kunstmusikken, i særdeleshed spektralmusikken, som har sit udgangspunkt ved IRCAM i Paris. Udvalgte principper vedrørende spektralmusikken anvendes af Rasmussen med det overordnede endemål at indføre færøsk tradition - den traditionelle enstemmige sang - i sine værker. I den nyere musik af Rasmussen hører man nemlig ikke direkte citater og intonationer i musikken - på trods af dens øjensynlige forbindelse til traditionen. I stedet anvender han de traditionelle temaer strukturelt ved blandt andet at bestemme tidsværdier udfra urtemaets intervalliske proportioner, samt at generere klange via det naturlige overtonespekter, udfra urtemaets enkeltoner. I Landid (Landet) (1992-93) for orkester og sopranstemme, fremstår den bagvedliggende melodi - i dette tilfælde den færøske nationalmelodi - som klangmasser, det vil sige kombinationer af interfererende overtonespektre.

I samtlige efterfølgende værker - flere er nævnt tidligere - gør Rasmussen brug af denne kompositionsteknik. Iblandt at bruge færøske melodier, har Rasmussen også benyttet materiale af anden oprindelse, såsom Monteverdi´s "Lasciate Me Morire" i korværket Creatio Caeli Et Terrae. Dies Unus (1996) og i blæserkvintetten Cantus Borealis (1996) - Invention i E-dur af J.S.Bach i klaverværket Chaindance with Shadows (1997), og melodien Kringsat af fiender til hans seneste værk Surrounded (2000) for sinfonietta.

Korværket Creatio Caeli et Terrae. Dies unus har en central position indenfor hans nyere værker, idet han her afprøver sin kompositionsteknik i korsammenhæng. Værket er bemærkeligtværdigt, idet det synes at retfærdiggøre udnyttelsen af overtonespektre i musik. Titlen og teksten er hentet fra begyndelsen af Bibelen - verdens begyndelse. Værket begynder med et dybt orgelpunkt på tonen D, hvorefter der påføres flere kvint-komplekser der genererer overtonespektre. Man fornemmer derved at musikken vokser ud fra et absolut nulpunkt - mørket. Denne process munder ud i satsens første ff sted - med teksten Lux et facta est. Her tager en sprudlende polyfon satsstruktur sit udgangspunkt.

Sunleif Rasmussens hovedværk til dato er uomtvisteligt Symfoni nr.1 - "Oceanic Days". Symfoniformen repræsenterer for Rasmussen - som for de fleste moderne komponister - et stilistisk højdepunkt - en værkgenre hvor de tekniske midler sættes på formmæssig prøve. Som prækompositorisk materiale har Rasmussen benyttet to sider af den færøske tradition - den verslige visesang og det altid nærværende sakrale salmesang. Over de tre satser og de ca. 40 minutter, som værket varer, veksles der konstant mellem materiale som er udledt af de to melodier.

Det prækompositoriske materiale til symfonien har været så omfattende for komponisten, at det hidtil er blevet til to "sattelitværker", der benytter det samme materiale. Det første, Dancing Raindrops (1995) for klarinet, violin og piano, er et livligt humoristisk værk, der til tider illustrerer lyde fra dansende regndråber. Det andet hedder Mozaik/miniature (1999) og er for violin, fløjte, klarinet og klaver. Dette værk består udelukkende af materiale fra symfoniens 1. sats - nedkogt for kammermusikalsk besætning.

I værket Trauer und Freude (1999) for 10 instrumenter (strygekvartett, guitar, fagot, horn, klarinet, fløjte, piano/cembalo) ses kompositionsteknikken udnyttet til det yderste. Urtemaet er her melodien til salmen Sorrig og glæde, og dens karkateristika kontrollerer så godt som alle parametre i musikken. Derved fremstår værket med en udpræget tematisk dualisme - en analogi til titlen og salmens indhold. Faktisk kan man karakterisere værkets form som en art moderne sonate.

Sunleif Rasmussens systemtænkning har givet ham et personligt musikalsk sprog - "et rum at komponere inde i". Men hans ønske kan også være at give sin musik et anstrøg af jordnær tradition, ved på musikkens indre struktur, at indføre traditionelle temaer. Det prækompositoriske materiale og det færdige værk er ikke i direkte musikalsk forbindelse med den traditionelle melodi. Der er snarere tale om en abstrakt binding mellem værk og tradition hos Rasmussen. Hans kompositionsstil står således i forbindelse med flere teoridannelser vedrørende form og musik, som er almindelige i slutningen af det 20 århundrede.

Hans Pauli Tórgard musik stud. ved Århus universitet.